La teoría sobre las raíces de Beethoven comenzaron con las especulaciones del compositor británico Samuel Coleridge-Taylor. Este dijo que no podía evitar notar semejanzas notables entre sus propios rasgos faciales y las imágenes de Beethoven, y esa especulación se basa en que la madre del compositor alemán pudo haber tenido un romance con un español de ascendencia africana, o que los antepasados flamencos de Beethoven se mezclaron con personas de ascendencia africana cuando su región estuvo brevemente bajo el dominio monárquico español.

Bach, Mozart, Grieg, Brahms, Chopin y Rachmaninoff han dejado su huella en la balada de las baladas, 'All by myself'; en los riffs y el inconfundible piano de Muse; en la base sobre la que rapean Eminem, Ludacris, Kanye West y Missy Elliot; en grandes éxitos de Céline Dion, Take That, Justin Timberlake, Lady Gaga, Beyoncé, Barry Manilow, Elvis Presley, Beach Boys, The Who, Madness y Radiohead; en el tango más famoso de la historia y en bandas sonoras ganadoras del Oscar

"Giulini se expresa, otra vez, con tempi muy amplios -a excepción del Finale, bastante movido- que propician un fraseo excepcionalmente afectuoso, cálido e intenso, además de contribuir a clarificar la compleja textura orquestal de estas dos obras [...] Con la inestimable colaboración de los filarmónicos vieneses, el resultado es de una belleza pasmosa que me parece de conocimiento obligado. Para quienes el Giulini actual resulte moroso en demasía pueden acudir al de 30 años atrás" (Scherzo nº 61, enero 1992)

"Encontrarse a un pianista, grande y veterano (84), como Arrau tocando sonatas de Mozart, cuando habitualmente, y en disco más, se dedica a sumergirse en otros mundos más decididamente románticos -Schubert, Beethoven, Schumann, Chopin, Brahms- o, incluso, impresionistas, es tan sorprendente como estimulante. Y en mayor medida tras haber escuchado su personal visión de estas obras. [...] es un Mozart maduro, prerromántico, luminoso de sonoridades pero consistente, excelentemente acentuado y fraseado" (Scherzo nº 13, febrero 1987)

"No hemos sido capaces de lidiar con nuestra libertad adecuadamente hasta ahora y el castigo por eso puede ser doloroso. Esta crisis ha creado una situación en la que todo tipo de problemas y debilidades saldrán a la superficie más y más, ya sean sistemas políticos o sistemas sociales de cualquier tipo. La crisis actual no perdona a nadie y en estas circunstancias de necesidad todos revelan sus verdaderos valores, que ya no pueden ocultar. Nadie sabe cómo saldremos de esto, pero todos sentimos que nada permanecerá como estaba."

"Los efectos se han comprobado porque las vibraciones son positivas, relajan mucho a las plantas y se trabaja más a gusto. Por otra parte, refleja que hay actividad aunque no estés dentro. Los efectos en animales ya se han comprobado y este año optamos por incorporar la música clásica en la plantación durante la mañana. Los ruiseñores y jilgueros hacen el resto". Respecto a los efectos, "es la primera campaña y estamos en periodo de adaptación pero la música forma parte del estilo de cultivo tradicional

«Nos parece increíble que en pleno siglo XXI las composiciones femeninas aparezcan en las programaciones de los ciclos de cámara, de las orquestas, de los conservatorios o de las salas de conciertos con cuentagotas», asevera. En el Día de la Mujer y otros eventos puntuales sí se suelen tocar ciertas piezas de mujeres, pero no es habitual ir a un concierto y que haya un repertorio igualitario. Por este motivo, Ébano Dúo interpreta una recopilación de obras únicamente femeninas.

"La versión es un exponente típico del quehacer de los últimos años de Klemperer. Grabada en 1961, nos muestra en todo su esplendor el criterio interpretativo del viejo director, su sonido robusto, a veces pétreo, su concepción majestuosa y solemne de las grandes obras, su imponente capacidad para organizar estructuralmente las partituras, etc. Pero asimismo también nos revela su severidad expresiva y su escaso (en aquellos años) sentido del lirismo [...] Que nadie espere, pues, encontrar aquí una Novena poética" (Ritmo nº 552, febrero 1985)

En 1934 toda la Inglaterra musical se reunió para celebrar el 75º aniversario de una de las compositoras más famosas del país: Dame Ethel Smyth [...] En el concierto final del festival en el Royal Albert Hall, la compositora se sentó junto a la Reina María para ver a Sir Thomas Beecham dirigir su misa. Para entonces, Smyth estaba casi completamente sorda y apenas podía oír una nota de su propia música. Pero pudo percibir el atronador aplauso que la rodeó cuando terminó el concierto en reconocimiento a la vida que había dedicado a la música.

"El intenso dramatismo y el contraste expresivo son las notas que caracterizan esta versión, quedando otros elementos de la obra más en segundo plano. A Haitink le interesa más la tormenta emocional del moribundo que el pulso arrítmico de su debilitado corazón. Toda la interpretación está estupendamente planteada desde el punto de vista dinámico: desde la introducción, sutilísimamente plasmada y muy próxima a la estética impresionista, hasta el espléndido crescendo final, la progresión dramática es implacable" (Ritmo nº 552, febrero de 1985)

"Badura-Skoda opta aquí por una aproximación incisiva, de una gran vitalidad y fuerza. Su Waldstein nos gana desde el principio: el primer tiempo es realmente un allegro con brio, los ataques son de una agresividad enorme, los sforzandi y los contrastes dinámicos de una tensión inusitada. Toda la sonata está envuelta en una inconfundible atmósfera beethoveniana, y aunque la articulación no es superlativa, el pianista obtiene un claro beneficio de la peculiar claridad que proporciona el instrumento." (Scherzo nº 24, mayo de 1988)

"La versión de Järvi no tiene nada que envidiar a las de Rozhdestvenski y Maazel, que eran las que conocía quien esto suscribe. El director estoniano hace una buena lectura de la sinfonía, en la que brilla el carácter juguetón del Scherzo y el Allegro giocoso final y la riqueza lírica y el ímpetu del Adagio. Quizá una mayor nitidez de planos sonoros y un sabor ruso más marcado hacen preferible esta versión a la de Previn con la Filarmónica de Los Angeles." (Scherzo nº 24, mayo de 1988)

Los programas de mano para conciertos y funciones de ópera están en un proceso de paulatina desaparición. Antes de entrar en el asunto quisiera hacer una aclaración sustancial. Durante las funciones en plena pandemia de la Covid 19 es totalmente razonable la supresión de los programas de mano, tanto por razones económicas como de seguridad [...] Esta progresiva desaparición viene de antes. Podríamos poner el inicio de este fenómeno en la crisis económica y financiera del año 2008, y el problema alcanza a España y América Latina.

La elección de [Michel] Plasson, de 87 años de edad, para este cargo honorífico se fundamenta, además, en que ha sido uno de los directores invitados que más han estado en el podio de la ROSS en los últimos años, gozando del aplauso de la crítica y el público desde que debutó con la orquesta en 2006, ganándose también el respeto y el cariño de sus músicos. Desde entonces, el maestro francés ha dirigido a la Sinfónica hasta en seis ocasiones en su temporada de abono, además de en dos producciones de ópera en el Teatro de la Maestranza

"Evidentemente, en algún momento se paga el precio de esas distancias, de esas condiciones especiales en las que hay que tocar. Pero la verdad es que estoy muy contento y sorprendido. Yo también pensé, a priori: ¡Madre mía, a ver qué va a ocurrir! Pero no, lo cierto es que la orquesta se adaptó con rapidez a las condiciones, y de semana en semana se nota que cada vez las cosas funcionan mejor. Yo esta segunda semana [mediados de octubre] ya estoy también más cómodo que la anterior."

"El segundo movimiento causó un escándalo. Me pregunto por qué. Simplemente pensaba al escribirlo en aquellos frescos de Gozzoli en los que los ángeles sacan la lengua, y también en unos serios monjes benedictinos a los que ví un día jugando al fútbol." (Francis Poulenc)

Inicialmente escrito en 1918-19, Bartók orquestó El mandarín maravilloso en 1923-24. El estreno del ballet-pantomima completo tuvo lugar el 27 de noviembre de 1926 en la Ópera de Colonia. ¡Las reacciones fueron tumultuosas! [...] Al día siguiente el alcalde de Colonia Konrad Adenauer (que se convertiría en el primer canciller de Alemania Occidental) convocó al director musical de la Ópera de Colonia, Jenő Szenkár, y le reprendió por dirigir una obra tan provocativa. Fue prohibida allí y entonces.

"El primero de sus tres movimientos, Allegramente, presenta varios temas que parecen evocar melodías populares, rasgueos de guitarras españolas y ecos procedentes del blues [...] Con la Orquesta del Conservatorio de París, Samson François y André Cluytens (EMI, 1959) apuestan por la libertad y la fantasía en un fluir continuo de sorprendentes acentos, matices, crescendos, accelerandos y resonancias jazzísticas. Flota sobre este Ravel la magia de la improvisación, el ambiente parisino de los años cincuenta" (Scherzo nº 275, p.48, junio de 2012)

Esta brecha generacional es habitual en la historia soviética, también en cómo Shostakovich fue (mal)entendido por los jóvenes compositores cuyas carreras empezaron tras el 2º "deshielo" en 1956. Lo supieran o no, la generación post-1956 se enfrentaba a una situación mucho menos seria que Shostakovich y sus colegas durante el reinado de Stalin. A lo sumo, fueron despreciados, aburridos, importunados, restringidos [...] Ellos nunca fueron torturados, exiliados, enviados a un gulag o ejecutados. Ninguno de ellos fue combado por años de miedo.

El novelista Alejo Carpentier, en un artículo de 1956 sobre el coleccionismo, incluido en su libro Ese músico que llevo dentro, lo califica de “encomiable actividad”. Pero algo después, no sin sorna, añade que “hay quien, sin haber escuchado tal sonata de Beethoven tocada por Kempff, corre desaforado a comprarse la misma, tocada por Schnabel, la que tampoco tendrá el tiempo de escuchar a derechas”.

La obra está escrita para coro de voces blancas y arpa, una combinación poco usual que hace que tenga un carácter muy personal. Britten conocía bien el arpa pues había estudiado este instrumento con el propósito de componer un concierto para arpa y orquesta, y en esta ocasión decide emplearlo para acompañar a este coro de voces blancas. La obra comienza y termina de forma similar, con una pieza cantada al unísono por el coro sin acompañamiento en la que se nos anuncia que Cristo ha nacido.

"La música tiene una ventaja tremenda: sin mencionar nada lo puede decir todo" (Ilya Ehrenburg tras asistir al estreno de la Octava, el 4 de noviembre de 1943)

Un hombre de 83 que fue encarcelado por escuchar música clásica demasiado alta en su casa falleció el pasado 23 de noviembre en el hospital mientras permanecía arrestado. El anciano, llamado Ian Trainer y residente en Merseyside (Reino Unido), ya había sido encarcelado en varias ocasiones durante los últimos años por el mismo motivo, según informa el Daily Mail.

Para Rudolf Serkin es incomprensible por qué Reger se ha caído del repertorio por completo. Muy pocos músicos se interesan por su música, y los críticos más jóvenes la desprecian. Para ellos Reger es sinónimo de todo lo malo, desaforado y vulgar del postromanticismo. Reger también tiene la reputación de no escribir más que mamotretos, con esas largas variaciones orquestales sobre uno u otro tema seguidas de una fuga colosal. Pero, como apunta Serkin, Reger no siempre escribió a lo grande.

La Quinta Sinfonía de Beethoven es una de las piezas más famosas de la música clásica de todos los tiempos. Un reciente artículo titulado "Cómo Beethoven introdujo el clasismo en la música clásica" ha abierto el debate sobre el compositor. "Los hombres blancos ricos abrazaron a Beethoven y convirtieron su sinfonía en un símbolo de su superioridad e importancia. Para otros -mujeres, personas LGBTQ+, gente de color- la sinfonía de Beethoven es predominantemente un recordatorio de la historia de exclusión y elitismo de la música clásica".

'La cena de los apóstoles', estrenada en 1843 por un coro de 1.200 hombres, es «la más compleja del compositor desde el punto de vista vocal», según José Luis Basso, director del Coro del Teatro Real

La letra de la canción aborda la situación cultural de la República Democrática Alemana (1949-1990), en la que de manera secreta e ilegal, muchos ciudadanos escuchaban secretamente las estaciones de radio occidentales y su música, consideradas prohibidas por el gobierno de la RDA, como una forma de escapar de las restricciones políticas que se vivieron en el marco de la Guerra Fría y el distanciamiento social, económico y político de las dos Alemanias.

¿Por qué los Kwyg3ns tienen música y animaciones? ¿Qué es la demoscene? Acompañadme en este viaje en el tiempo de la retroinformática.

La música pop es, por el origen mismo de su nombre y de la palabra, suele ser bastante popular. Sin embargo, si es popular o no por buenas o malas razones es un punto completamente diferente. A veces, la música es popular por un corto tiempo porque las melodías son muy pegadizas, pero una vez que las escuchas con suficiente frecuencia, simplemente quieres arrancarte las orejas. Algunas canciones son clásicos que se pueden reproducir sin cesar. Las canciones de esta lista son todas canciones muy conocidas que algunas personas aman y otras odian.

Canción generada con IA homenajeando el estilo de La Polla Records dedicada a Llados y sus seguidores.

Sony dirige cartas a varios cientos de compañías tecnológicas avisando contra el uso no autorizado de la música de su catálogo para el entrenamiento de algoritmos, y previniendo sobre posibles acciones legales en caso de infracciones.

En Cuba, los clubes de salsa se han convertido en refugios en los que uno puede olvidarse de los múltiples problemas del país.

Sony Music ha enviado 700 cartas a streamers, desarrolladores de Inteligencia Artificial e incluso a plataformas como YouTube o Spotify para pedirles que retiren la música de sus cantantes que no han hecho sus artistas. La Inteligencia Artificial permite utilizar las canciones reales de artistas del sello de Sony Music, como Adele, Beyoncé o Harry Styles, para extraer su voz y para que esas voces creadas con Inteligencia Artificial canten cosas que el artista no han cantado nunca.

A mediados de la década de 1970, una joven de la localidad inglesa de Brixton llamada Marianne Elliot-Said pasó por una experiencia profundamente transformadora. Asistió a un concierto de Sex Pistols y se sintió energizada al darse cuenta de que el punk significaba expresarse como cual deseara (...) Aunque X-Ray Spex sólo lanzó un álbum, "Germfree Adolescents" (1978), la banda sí tuvo un profundo efecto en el punk rock, la moda feminista y la ciencia ficción.

A pesar de formar parte de la célebre saga de los Monstruos creada por los estudios Universal en las décadas del treinta y cuarenta, El fantasma de la ópera es más un musical con pinceladas fantásticas que una cinta de terror típica de aquella productora. Edward Ward, compositor y director de orquesta norteamericano que tuvo buena participación en el cine fantástico y de terror, fue el encargado de componer una banda sonora inusual y muy interesante para este clásico del género