Transexualidad de Noelia Bernal, Caminos de Raul Sánchez i La lluvia de Flora González han estat les obres venudes durant el Saló d’Art Modern (SAM), que es va celebrar del 6 al 10 de març a la Fundación Carlos de Amberes de Madrid, i el qual va rebre la visita de 10.500 persones.

El compositor y director polaco Krzysztof Penderecki [...] considera que no es previsible una gran renovación radical del arte antes de los próximos veinte años porque 'aún no se ha digerido' la gran oleada de innovaciones que produjeron las últimas vanguardias desde los años 50 y 60 del siglo XX. [...] 'Lo que ahora se conoce como vanguardia es la continuación de las propuestas más avanzadas de los años 50 y 60 [...] Ahora mismo no hay innovación, sólo continuación de aquellas vanguardias'.

La exposición Carteles de la vida moderna organizada por La Fundación La Caixa cuenta con mucha obra gráfica conservada en el Museu Nacional d'Art de Catalunya. Entre otras piezas, trece carteles y un dibujo modernistas. En este artículo se explica el paso a paso del proceso de restauración de estos carteles. La mayoría de ellos ya se restauraron en momentos anteriores, pero con otros criterios que hoy están en desuso. Por lo que a veces no hay que arreglar solo los efectos del tiempo, sino los de malas praxis de intervenciones pasadas.

El artista Jens Haaning entregó al museo Kunsten de Arte Modernodos marcos vacíos con el título Take the Money and Run (Toma el dinero y corre). Haaning había recibido 84 000 dólares del museo para recrear dos de sus obras previas: Average Danish Annual Income (Media de ingresos anuales de un danés, 2010) y An Average Austrian Annual Income (Media de Ingresos anuales de un austriaco, 2007). En estas obras, cuyo nombre es un indicador estadístico, se mostraban billetes sobre una rejilla con un marco alrededor señalando acaso que, en nuestra...

Jean-Michel Basquiat (1960-1988) era hijo de familia acomodada del barrio de Brooklyn. Su padre, haitiano, era contable de profesión y su madre, puertorriqueña, era una reconocida diseñadora. Su condición de afroamericano influyó definitivamente en su carrera, vinculada a la escena urbana y apoyado desde sus comienzos por personalidades como Andy Warhol. Sus primeros trabajos fueron grafitis firmados junto a Al Diaz bajo el anagrama SAMO (Same Old Shit), que traducido al español quiere decir “la misma mierda de siempre”.

En este artículo se cuenta el proceso de restauración de varias vidrieras modernistas: Alegoría de la Exposición de Bellas Artes, diseñado por Josep Lluís Pellicer Fenyé y realizado por el taller Antoni Rigalt y C.ª (Barcelona, 1890-1903); Rosetón con el ojo eterno y San Miguel Arcángel, los dos proyectados por Enric Monserdà y Antoni Gaudí; La Virgen cuando era niña, diseñada por Joaquim Mir. Algunas de las patologías más comunes son las fracturas del vidrio, la pérdida de fragmentos de vidrio, las fracturas del emplomado, etc.

Las figuras de Nadín Ospina son monstruosas porque en su superficie chocan mundos irreconciliables. Esto fue lo que ocurrió en el origen de América Latina, donde ninguna cultura se impuso sobre la otra, quedándole para siempre su permanente desacomodo. Durante la cuarentena mundial, las ciudades vacías de humanos fueron asaltadas por presencias salvajes. Bajaron de los bosques vecinos y se adueñaron de alamedas y avenidas. Madrid no fue la excepción. Entre estas especies foráneas, sobresalió un engendro de varios metros, que, al igual que ...

Aunque muchas marcas cuentan con su propio museo, hay uno que no es de coches exclusivamente, y sin embargo siempre tiene una serie de unidades expuestas. Hablamos del prestigioso MoMA, o Museum of Modern Art de New York, que además de cuadros y obras de reconocimiento internacional, tiene siempre expuestos seis vehículos considerados como arte.

La artista tuvo que defender su obra contra Ingres, que sólo creía que la mujer podía pintar flores, y su marido, el pintor Félix Bracquemond, que la oprimió hasta hacerla abandonar el arte en 1890...

Sin duda Andy Warhol es uno de esos artistas que transgredió, y además, trascendió el mundo exclusivo del arte. Una de las consecuencias de la popularidad de Andy Warhol es que se convirtió en una marca. Warhol se convirtió a su nombre y su personalidad en una marca. De tal manera que su producción artística influyó en la consolidación de la cultura pop durante el siglo XX, además de que dio paso a la formación del culto a la celebridad. Sin embargo,

En los siglos XVI y XVII el arte español tuvo en la fugacidad de la vida uno de sus temas más destacados, plasmando el concepto en impactantes imágenes de cadáveres en descomposición que, escenificaban la idea de que nadie podía escapar de la muerte, ya fuera rico o pobre. El escultor Gil de Ronza hizo una de las obras más impresionantes de ese tipo

FOTOS y texto explicativo. No todos entienden el arte contemporáneo y a veces es evidente el porqué. Estas son las 10 pinturas más extrañas que podrían haber sido creadas por un niño, pero fueron vendidas por millones de dólares.

Bill Viola es el máximo referente mundial del videoarte y uno de los grandes artistas vivos. Sus vídeos expresan conceptos universales como la vida, la muerte, el paso del tiempo...y lo hacen con una calidad y una espiritualidad que conectan con toda clase de espectadores, también los que no entienden el arte contemporáneo. Ahora Bill Viola expone en La Pedrera de Gaudí en Barcelona: las formas modernistas orgánicas contribuyen al clima de intimidad y reflexión que requieren los vídeos introspectivos del artista americana.

Dos científicos del University College de Londres han logrado reconstruir mediante el uso de una red neuronal un boceto del pintor español Pablo Picasso que en 1998 fue hallado con ayuda de rayos X oculto en su cuadro 'El viejo guitarrista ciego', según se aprecia en una instantánea publicada este viernes por MIT Technology Review. Una visión importante "Este cuadro de Picasso nunca ha sido visto antes", asegura el medio científico, que publicó la imagen obtenida gracias a una técnica de visión artificial llamada red de transferencia de estil

Un símbolo de los años 20 que muchas personas reconocen hoy en día es la “flapper”—una mujer que vestía ropa suelta, tenía el pelo corto y ondulado y adoptaba un estilo de vida hedonista. Estas son las mujeres que inspiraron el trabajo de la artista polaca Tamara de Lempicka. Apodada “la baronesa con pincel”, Lempicka se hizo famosa por sus autorretratos y pinturas de mujeres en su elegante estilo art déco. Su obra exuda poder femenino y sensualidad, y celebra la independencia y la liberación de las mujeres de la década de 1920.

Centenario de la escuela revolucionaria que cambió la concepción del arte moderno, desde la arquitectura al diseño industrial, la escultura o la tipografía. La Escuela de la Bauhaus (1919-1933) sembró la modernidad actual, con la paradoja de que hoy tiene incluso más vigencia que cuando nació.

Uno de los grandes maestros del arte moderno, Piet Mondrian no temía correr riesgos, y sus elecciones audaces lo llevaron a convertirse en uno de los artistas más reconocidos del siglo XX. Sus pinturas abstractas en rojo, amarillo y azul se basan en líneas y figuras geométricas, y tienen poco que ver con la conservadora escena artística holandesa en la que creció. Entonces, ¿qué llevó a Mondrian a romper barreras y sacudir el mundo del arte?

Servando Rocha fue el protagonista de la última conferencia de la Cátedra de Estudios Artísticos del IVAM, el pasado viernes. Tal vez, de toda la temporada, la suya haya sido una de las propuestas más arriesgadas o marginales en el contexto de los centros culturales: el de hablar de los enmascarados, el chamanismo y las sociedades secretas, estableciendo una relación entre las subculturas y la contracultura. La magia como arte canalizador, la oscuridad como contexto, la memoria histórica reformulada.

Vídeo en el que Robert Florczak analiza la estafa del arte moderno y la invalidez de los argumentos que lo sustentan. [Duración: 5.55]

Mientras Duchamp causaba toda clase de escándalos, un trío queer de personajes con el pelo verde llamados «cubies» protagonizaban un extraño libro que atacaba el arte moderno

Más allá de aquellos fachas que, mediada la década de los setenta, sabotearon una exposición del Equipo Crónica con una pintada de “¡Viva Felipe IV!”, o de las arremetidas contra películas estrenadas durante la Transición (La portentosa vida del padre Vicente–Carles Mira, 1978- y El crimen de Cuenca –Pilar Miró, 1980- son dos ejemplos especialmente indignos), los casos de grandes controversias artísticas no abundan en suelo español. O no abundaban, porque en los últimos años encontramos más de las que nos gustaría.

La historia del arte moderno necesita una revisión profunda para corregir una distorsión que sitúa sistemáticamente fuera del canon a pintores naturalistas como es el caso del creador valenciano

El Instituto Valenciano de Arte Moderno (IVAM) expone más de 100 piezas del constructivismo y el realismo socialista.

El salseo ha existido desde el principio de la humanidad. Seguramente más veces de las que conocemos. Una cosa que mola de todas las anécdotas es que podemos saber lo que hay detrás de la persona, lo de verdad, no lo que nos quiere enseñar, como en las fotos de Instagram. Y hablando de fotos hablemos de la famosilla foto de Le Corbusier pintando desnudo. Pues hay una situación interesante detrás de esa foto, hay una mujer de hecho: la rivalidad entre Carlos Eduardo y Eileen Gray. Eileen Gray era una señora irlandesa, diseñadora y artista

El punto de partida de esta exposición que permanecerá hasta septiembre en el Museo Nacional de Artes Decorativa son unas fotos encontradas en un viejo baúl que pertenecía al Ministerio de Hacienda y fue trasladado al Museo. Contenía mantones de manila y objetos de tocador y una colección de fotos íntimas de una pareja Él se travestía de mujer e intercambiaban roles. Y ha dado lugar a una Instalaciòn del artista David Trullo que nos retrotrae a los años veinte y treinta con fotos, anuncios, objetos de diversas colecciones.

Activistas de Galicia (España) utilizan arte de guerrilla para reivindicar las señales: que todo el mundo salga a la calle y siga su ejemplo; no dejes una señal sin modificar.

El grafitero sentydoart homenajea a Nuccio Ordine (1958-2023) en un video que mezcla filosofía y arte.

Nos encontramos ante una de las obras de arte mejor documentadas de la historia, donde cada fotografía y boceto nos brinda una visión detallada de su proceso creativo, respaldada por una gran cantidad de declaraciones, documentos y cartas fechadas.

En 1832, dos años después de la ocupación francesa de Argelia, el conde de Mornay invitó a Eugène Delacroix a acompañarle en un viaje diplomático por el Magreb.

Las culturas paleoindígenas que migraron a través de lo que hoy es América Latina dejaron huellas de sus vidas con su arte rupestre en cuevas y acantilados. Estas pinturas muestran cómo las primeras culturas aprendieron a vivir en sus nuevos entornos. También dan pistas a los investigadores sobre el modo en que los antiguos humanos dejaron su legado en la biodiversidad y la cultura actuales de la región.

Una de las tres copias realizadas bajo la supervisión del artista a partir del negativo original en 1970 acaba de subastarse por 120.000 euros

Lorca, el poeta de la tierra, el folclore, el surrealismo y la tragedia teatral; Lorca, el icono de los exiliados y el antifranquismo; Lorca, prócer de la izquierda en la Transición; Lorca, paradigma de la libertad sexual; Lorca en las camisetas y en las tazas, convertido en objeto de merchandising. Lorca para todo: por qué no instrumentalizar una figura tan fecunda. Lo que no casi nadie vio venir es que Lorca —Federico García Lorca, asesinado al inicio de la sublevación de 1936 por militares del alzamiento— fuera moldeado por la ultraderecha.

En 2008, Reben estudió matemáticas y robótica en el Media Lab del MIT. Allí ayudó a crear un robot de cartón llamado Boxie, que inspiró al simpático robot Baymax en la película Big Hero 6. Ahora es director de tecnología e investigación en Stochastic Labs, una incubadora sin ánimo de lucro para artistas e ingenieros de Berkeley (California). Hablé con Reben a través de Zoom sobre su trabajo, la tensión no resuelta entre arte y tecnología y el futuro de la creatividad humana.

Magritte repite la misma imagen cuatro veces en cuatro viñetas casi idénticas, excepto en la primera de todas, en la que aparece el señor leyendo el periódico del título. Por cierto, el pintor hace aquí una excepción y busca un título bastante concreto —por no decir vulgar— en comparación con los enigmáticos títulos del resto de su producción. En todas las viñetas estamos en un interior con dos sillas y una mesa, una estufa, un sombrero y un cuadro en la pared y el jarrón en la ventana que da al jardín. Uno de esos agradables interiores...

Algunas personas consideran que el graffiti es vandalismo sin sentido. Para mí es una expresión de libertad y reivindicación del espacio público.