"Giulini se expresa, otra vez, con tempi muy amplios -a excepción del Finale, bastante movido- que propician un fraseo excepcionalmente afectuoso, cálido e intenso, además de contribuir a clarificar la compleja textura orquestal de estas dos obras [...] Con la inestimable colaboración de los filarmónicos vieneses, el resultado es de una belleza pasmosa que me parece de conocimiento obligado. Para quienes el Giulini actual resulte moroso en demasía pueden acudir al de 30 años atrás" (Scherzo nº 61, enero 1992)

"Encontrarse a un pianista, grande y veterano (84), como Arrau tocando sonatas de Mozart, cuando habitualmente, y en disco más, se dedica a sumergirse en otros mundos más decididamente románticos -Schubert, Beethoven, Schumann, Chopin, Brahms- o, incluso, impresionistas, es tan sorprendente como estimulante. Y en mayor medida tras haber escuchado su personal visión de estas obras. [...] es un Mozart maduro, prerromántico, luminoso de sonoridades pero consistente, excelentemente acentuado y fraseado" (Scherzo nº 13, febrero 1987)

«Nos parece increíble que en pleno siglo XXI las composiciones femeninas aparezcan en las programaciones de los ciclos de cámara, de las orquestas, de los conservatorios o de las salas de conciertos con cuentagotas», asevera. En el Día de la Mujer y otros eventos puntuales sí se suelen tocar ciertas piezas de mujeres, pero no es habitual ir a un concierto y que haya un repertorio igualitario. Por este motivo, Ébano Dúo interpreta una recopilación de obras únicamente femeninas.

"La versión es un exponente típico del quehacer de los últimos años de Klemperer. Grabada en 1961, nos muestra en todo su esplendor el criterio interpretativo del viejo director, su sonido robusto, a veces pétreo, su concepción majestuosa y solemne de las grandes obras, su imponente capacidad para organizar estructuralmente las partituras, etc. Pero asimismo también nos revela su severidad expresiva y su escaso (en aquellos años) sentido del lirismo [...] Que nadie espere, pues, encontrar aquí una Novena poética" (Ritmo nº 552, febrero 1985)

En 1934 toda la Inglaterra musical se reunió para celebrar el 75º aniversario de una de las compositoras más famosas del país: Dame Ethel Smyth [...] En el concierto final del festival en el Royal Albert Hall, la compositora se sentó junto a la Reina María para ver a Sir Thomas Beecham dirigir su misa. Para entonces, Smyth estaba casi completamente sorda y apenas podía oír una nota de su propia música. Pero pudo percibir el atronador aplauso que la rodeó cuando terminó el concierto en reconocimiento a la vida que había dedicado a la música.

"El intenso dramatismo y el contraste expresivo son las notas que caracterizan esta versión, quedando otros elementos de la obra más en segundo plano. A Haitink le interesa más la tormenta emocional del moribundo que el pulso arrítmico de su debilitado corazón. Toda la interpretación está estupendamente planteada desde el punto de vista dinámico: desde la introducción, sutilísimamente plasmada y muy próxima a la estética impresionista, hasta el espléndido crescendo final, la progresión dramática es implacable" (Ritmo nº 552, febrero de 1985)

"Badura-Skoda opta aquí por una aproximación incisiva, de una gran vitalidad y fuerza. Su Waldstein nos gana desde el principio: el primer tiempo es realmente un allegro con brio, los ataques son de una agresividad enorme, los sforzandi y los contrastes dinámicos de una tensión inusitada. Toda la sonata está envuelta en una inconfundible atmósfera beethoveniana, y aunque la articulación no es superlativa, el pianista obtiene un claro beneficio de la peculiar claridad que proporciona el instrumento." (Scherzo nº 24, mayo de 1988)

"La versión de Järvi no tiene nada que envidiar a las de Rozhdestvenski y Maazel, que eran las que conocía quien esto suscribe. El director estoniano hace una buena lectura de la sinfonía, en la que brilla el carácter juguetón del Scherzo y el Allegro giocoso final y la riqueza lírica y el ímpetu del Adagio. Quizá una mayor nitidez de planos sonoros y un sabor ruso más marcado hacen preferible esta versión a la de Previn con la Filarmónica de Los Angeles." (Scherzo nº 24, mayo de 1988)

La elección de [Michel] Plasson, de 87 años de edad, para este cargo honorífico se fundamenta, además, en que ha sido uno de los directores invitados que más han estado en el podio de la ROSS en los últimos años, gozando del aplauso de la crítica y el público desde que debutó con la orquesta en 2006, ganándose también el respeto y el cariño de sus músicos. Desde entonces, el maestro francés ha dirigido a la Sinfónica hasta en seis ocasiones en su temporada de abono, además de en dos producciones de ópera en el Teatro de la Maestranza

"Evidentemente, en algún momento se paga el precio de esas distancias, de esas condiciones especiales en las que hay que tocar. Pero la verdad es que estoy muy contento y sorprendido. Yo también pensé, a priori: ¡Madre mía, a ver qué va a ocurrir! Pero no, lo cierto es que la orquesta se adaptó con rapidez a las condiciones, y de semana en semana se nota que cada vez las cosas funcionan mejor. Yo esta segunda semana [mediados de octubre] ya estoy también más cómodo que la anterior."

"El segundo movimiento causó un escándalo. Me pregunto por qué. Simplemente pensaba al escribirlo en aquellos frescos de Gozzoli en los que los ángeles sacan la lengua, y también en unos serios monjes benedictinos a los que ví un día jugando al fútbol." (Francis Poulenc)

Inicialmente escrito en 1918-19, Bartók orquestó El mandarín maravilloso en 1923-24. El estreno del ballet-pantomima completo tuvo lugar el 27 de noviembre de 1926 en la Ópera de Colonia. ¡Las reacciones fueron tumultuosas! [...] Al día siguiente el alcalde de Colonia Konrad Adenauer (que se convertiría en el primer canciller de Alemania Occidental) convocó al director musical de la Ópera de Colonia, Jenő Szenkár, y le reprendió por dirigir una obra tan provocativa. Fue prohibida allí y entonces.

"El primero de sus tres movimientos, Allegramente, presenta varios temas que parecen evocar melodías populares, rasgueos de guitarras españolas y ecos procedentes del blues [...] Con la Orquesta del Conservatorio de París, Samson François y André Cluytens (EMI, 1959) apuestan por la libertad y la fantasía en un fluir continuo de sorprendentes acentos, matices, crescendos, accelerandos y resonancias jazzísticas. Flota sobre este Ravel la magia de la improvisación, el ambiente parisino de los años cincuenta" (Scherzo nº 275, p.48, junio de 2012)

Esta brecha generacional es habitual en la historia soviética, también en cómo Shostakovich fue (mal)entendido por los jóvenes compositores cuyas carreras empezaron tras el 2º "deshielo" en 1956. Lo supieran o no, la generación post-1956 se enfrentaba a una situación mucho menos seria que Shostakovich y sus colegas durante el reinado de Stalin. A lo sumo, fueron despreciados, aburridos, importunados, restringidos [...] Ellos nunca fueron torturados, exiliados, enviados a un gulag o ejecutados. Ninguno de ellos fue combado por años de miedo.

La obra está escrita para coro de voces blancas y arpa, una combinación poco usual que hace que tenga un carácter muy personal. Britten conocía bien el arpa pues había estudiado este instrumento con el propósito de componer un concierto para arpa y orquesta, y en esta ocasión decide emplearlo para acompañar a este coro de voces blancas. La obra comienza y termina de forma similar, con una pieza cantada al unísono por el coro sin acompañamiento en la que se nos anuncia que Cristo ha nacido.

"La música tiene una ventaja tremenda: sin mencionar nada lo puede decir todo" (Ilya Ehrenburg tras asistir al estreno de la Octava, el 4 de noviembre de 1943)

Para Rudolf Serkin es incomprensible por qué Reger se ha caído del repertorio por completo. Muy pocos músicos se interesan por su música, y los críticos más jóvenes la desprecian. Para ellos Reger es sinónimo de todo lo malo, desaforado y vulgar del postromanticismo. Reger también tiene la reputación de no escribir más que mamotretos, con esas largas variaciones orquestales sobre uno u otro tema seguidas de una fuga colosal. Pero, como apunta Serkin, Reger no siempre escribió a lo grande.

Podemos situar en el Clasicismo el origen de un nuevo concepto acerca del valor de la duración en la música. En los albores del nacimiento del artista emancipado –del “genio” en el sentido romántico del término–, la extensión de una obra musical se erigirá cada vez más en una medida “objetiva” de su enjundia artística. La creciente extensión de géneros como la sinfonía es el resultado natural del incremento de la complejidad estructural de las obras musicales, así como de la inventiva armónica y orquestal desplegada por el compositor.

"El arte, la música, siempre ha tenido un poder curativo, ya se trate de Bach, Mozart o una canción pop. Siempre nos da esperanza, armonía espiritual, una vibración en nuestra mente. Es como un sexto sentido, más allá del oído, como si pudieses oler las notas. Es, en definitiva, lo que te hace sentir las emociones de la música. Particularmente, en el caso de las 'Goldberg', al tratarse de 30 variaciones, ofrece todas las posibilidades de sentimientos, desde la tristeza hasta la felicidad exultante."

Era ambicioso y bastante egocéntrico, pero por encima de todo era un pragmático. "Hice música bajo el Kaiser" le dijo supuestamente a su familia. "También sobreviviré bajo esta panda". Considerándose por encima de la política, también dijo: "Simplemente me siento aquí en Garmisch y compongo. Todo lo demás es irrelevante para mí". Si ésto parece hipócrita, especialmente al aceptar el ofrecimiento de Goebbels del puesto de presidente de la Cámara Musical del Reich [...] Strauss insistió en que quería usar su posición influyente para el bien.

Langgaard se puso a trabajar en una pieza llena de ironía mordaz que me parece que no tiene precedentes en la historia de la música: una partitura para coro y orquesta que tenía que ser cantada "con toda la fuerza posible" y "repetida por toda la eternidad". Tenía una sola línea de texto que también forma su título: Carl Nielsen, nuestro gran compositor. Langgaard [...] envió el resultado a la Sinfónica de la Radio Danesa con una nota en la que pedía que Emil Reesen, un joven compositor que a menudo asistió a Nielsen, completara la orquestación

El Teatro Municipal de Piacenza ha presentado su temporada 2020/2021, y uno de los grandes atractivos de la programación es la presencia de Plácido Domingo como director de orquesta. El tenor español, que hizo su debut en coliseo de Piacenza en el año 1972 con Lucia di Lammermoor de Donizetti, tomará la batuta el próximo 24 de noviembre para dirigir la Misa de Réquiem de Giuseppe Verdi en un concierto dedicado a las víctimas de la Covid-19. Domingo se pondrá al frente de la Filarmónica Arturo Toscanini y del Coro del Teatro Municipal.

Lennox Berkeley y Benjamin Britten se conocieron y se hicieron amigos en Barcelona en abril de 1936, adonde habían viajado para participar en el Festival de la ISCM [...] En una visita al parque de Montjuic Britten escuchó unos temas populares que le agradaron y anotó pensando en su armonización. Mostró sus anotaciones a su nuevo amigo y acordaron componer una suite orquestal para la cual cada uno de ellos arreglaría dos de las piezas anotadas [...] Es difícil aclarar la autoría de cada pieza puesto que ambos compositores mantuvieron la reserva

Decía Einstein que las crisis son oportunidades para modificar nuestra forma de ver las cosas. La misma opinión tiene Tomer Zvulun, Director General y Artístico de la Ópera de Atlanta [...] Para garantizar las medidas sanitarias y al mismo tiempo plantear al público un nuevo tipo de experiencia, la temporada de Atlanta arranca el próximo mes de octubre con unas representaciones de Pagliacci de Leoncavallo y El Emperador de la Atlántida de Viktor Ullmann, que tendrán lugar en una carpa como las del circo.

El 12 de Diciembre de 1974, los Rolling Stones acudieron a una fiesta en Londres. Mick Taylor aprovechó la ocasión para acercarse a su tocayo, Mick Jagger, y anunciarle la primicia: se marchaba de la banda. La decisión fue un jarro de agua fría para todos. Tenían previsto empezar a grabar un nuevo álbum en Múnich (‘Black and blue’), y la banda al completo - Mick Jagger, Keith Richard, Bill Wyman y Charlie Watts – se enfadó con Taylor por abandonarles y avisarles con tan poca antelación.

Les cuento a todos los que les interesa mi música que desde octubre decidí posponer la salida de mi disco junto con varios videos que se suponía salieran este año porque se me hace imposible hacerlo frente a todo el genocidio macabro que destruye lentamente a Palestina. No me siento bien, me duele demasiado, pienso en mi hijo todos los días, no puedo ser indiferente ante esto. Y me pregunto: ¿Cuándo fue el día en el que nos deshumanizamos a tal nivel que podemos ver como explotan las cabezas de niños y niñas en frente nuestro y no decimos [...]

La octava edición del ciclo de conciertos, que tendrá lugar del 7 de junio al 27 de julio, ha revelado los nombres de 17 artistas que se sumarán al cartel, además de los ya confirmados el pasado mes de octubre.

En los primeros años de su carrera, Dylan creó discos ineludibles en la historia de la música popular. En su otoño, se convirtió en un artista sin más preocupación que la robustez de su propia música. A lo largo de su dilatada carrera Dylan se ha nutrido de las raíces del folk, al tiempo que ha homenajeado a Woody Guthrie; ha pasado de las filas de la canción de protesta a las pegadizas melodías del pop; ha sido calificado de Judas, por migrar de la música acústica a la eléctrica y, sobre todo, siempre ha mantenido un pie en el blues.

a Ana, madre de un niño de 6 y de una niña de 2, no le gusta nada la música de Aitana pero este concierto le parece "toda una experiencia". "A mi hijo, sobre todo, le gusta la canción de Zzoilo pero va un amigo suyo así queríamos apuntarnos porque además es en el Bernabéu, es un planazo. Quería llevar a mi hija también porque ese día cumple 4 años y no me parecía bien dejarla en casa a la pobre", confiesa

Hay artistas cuya vida acaba siendo su obra maestra. La del cantautor, poeta y novelista canadiense Leonard Norman Cohen (1934-2016) es un brillante ejemplo de ello.

Entrevista a Kobi Farhi, vocalista de Orphaned Land: ‘Lo daría todo para tocar en Egipto, Siria y Líbano… pero también deseo poder regresar a casa a salvo’

Manuel Molina, que tras una noche de deambular por el precioso barrio granadino, al estilo de la novela "El cuentista", le llevó a titular su primer trabajo en solitario con el elocuente nombre de la "Calle del Beso". Lugar exacto dónde recuperó el rumbo tras un celebrado encuentro con el Duende e intercambio de ósculos con sus musas. La historia de ese disco publicado en 1999 debería figurar junto a la placa que recoge la leyenda que ilumina el por qué de tan bello y singular nombre de esta corta y estrecha calleja de la Garnata musulmana.

Una de las principales responsables de la llegada del fútbol a nuestro país fue la empresa El Cable Inglés. Y no, no tiene nada que ver con los grandes almacenes de nombre similar, es la denominación local para la Eastern Telegraph Company, que tendió el cable telegráfico entre Inglaterra y Vigo, y que luego continuó su recorrido hacia Lisboa, Gibraltar y Malta.

Ha escrito más de 600 canciones, sobre el amor y el desamor. Algunos de ellas con la que ha sido su referente e inspiración, su mujer, Purificación. Ella murió hace dos años de COVID-19, en el hospital, y desde entonces se emociona cada vez que la recuerda. Ahora con 92 años y, después de cantar y contar algunos de sus más famosos éxitos en el Teatro Real, escribe su autobiografía titulada como una de sus canciones: “Te voy a contar mi vida”.

Para los que todavía no lo sepan “Agila” significa “espabila” en castúo, dialecto extremeño. La verdad es que Extremoduro se lo tomó al pie de la letra y espabilaron de lo lindo con la publicación un 23 de febrero de 1996 de un álbum que pasaría a la historia.