El repertorio de [Dino] Ciani se caracterizaba por una amplitud sorprendente en un músico que apenas sobrepasó la treintena, y también por una curiosidad que le llevó a profundizar en obras hasta entonces poco o nada exploradas [...] Ciani fue asimismo un notable divulgador de la obra pianística de Bartók [...] Más que en la angulosidad de estas páginas, Ciani prefiere ahondar en su saturación sonora. El musicólogo Felice Todde ha hablado de “colores lunares” refiriéndose a cómo el pianista italiano interpreta los movimientos lentos de Bartók.

En los últimos meses Pablo Fugitivo ha ido desgranando su primer trabajo en solitario presentando algunas de sus canciones. Ahora le toca el turno al segundo corte del disco, “De boca en boca”. Una canción de paisajes nocturnos que habla, con un lenguaje directo y poético, del desamor y de la música y la vida bohemia como vías de escape. Se trata de una canción que parte del folk, con guiños al folclore andaluz, para acercarse a la música de raíces americanas. Hoy en Muzikalia estrenamos en exclusiva el vídeo de “De boca en boca”.

Después de los éxitos de LA JAULA DE LAS LOCAS y LA TIENDA DE LOS HORRORES, Àngel Llàcer y Manu Guix afrontan la creación de su tercer musical de gran formato con la productora Nostromo Live. Se trata de una nueva producción del clásico CANTANDO BAJO LA LLUVIA, que está previsto se estrene en el Teatre Tívoli de Barcelona en octubre de 2021. La coreografía será de Miryam Benedited.

Solitario e inquieto, marcado desde la juventud por una arritmia cardíaca, Sofronitsky siempre vivió apartado de las primeras líneas de la actividad musical. Sólo tocaba en dos ciudades, Leningrado y Moscú, y aun así sus conciertos atraían a un público entusiasmado; su figura era objeto de una auténtica veneración. Escuchando sus versiones, uno cree entender la razón por la que Sofronitsky no gozó del favor de las altas jerarquías soviéticas. Su piano no comunicaba esa sensación de vigor y optimismo que el régimen quería transmitir al mundo.

Cuando se habla de los orígenes del arte, o de “Arte Prehistórico”, la primera imagen que se nos viene a la cabeza se suele parecerse mucho a una pintura: las Cuevas de Altamira por ejemplo, de 18 mil años de antigüedad, ocupan un lugar privilegiado en el imaginario colectivo. En algunos casos, habrá también quienes piensen en esculturas paleolíticas, como la Venus de Willendorf de 28 mil años de antigüedad. Es mucho menos habitual pensar en otras formas artísticas y, sin embargo, se han encontrado flautas...

Estas imágenes son absolutamente únicas en la forma en que se tomaron. Fueron realizadas para la publicidad de la Orquesta Filarmónica de Berlín. Las imágenes muestran el interior de un violín, violonchelo, flauta y órgano de tubos. Los espacios reducidos de estos instrumentos parecen grandes y espaciosos teniendo en cuenta la verdadera naturaleza de su espacio.

Ya durante la década de los cincuenta, destacó en el ámbito del jazz como intérprete, arreglista y compositor. Además de su propio grupo, formó parte de las big bands de Yuri Salsky y Oleg Lundstrem. Como compositor, fue elaborando un peculiar estilo en donde fusionaba el idioma del jazz con el lenguaje clásico. Aun así, pese a su tono jazzístico e improvisatorio, las obras de Kapustin no dejan margen para la libre intervención del intérprete y fijan sobre el papel todas las notas. El prolífico catálogo de Kapustin ronda las 160 piezas.

Heredero de la técnica lisztiana, Arrau es hoy [1988] uno de los pocos pianistas que sabe fabricar un sonido: desde la espalda y el torso nace la fuerza que llega al teclado, siendo los dedos meros vectores. [...] La técnica está entendida como concepto interpretativo y tiene que transmitir (a través del sonido) las tensiones, las dificultades presentes en la escritura. Vencer el obstáculo no basta, hay que inyectar en el gesto musical lo que era obstáculo, transformándolo en una fuerza expresiva e interpretativa suplementaria.

¿Cómo se ha podido disparar así el precio de un piano que en su origen no era tan caro? La respuesta radica en su estilo, su tamaño y su escasez. [...] Los primeros pianos de mariposa aparecieron alrededor de 1880 con fabricantes como Hugo Sohmer. Sin embargo, sería durante el movimiento Art Deco en la década de los 20 y los 30 cuando se popularizó este tipo de piano. La simetría obedecía a criterios estéticos de la época, aunque esta forma comprometía sus capacidades sonoras [...]: cuanto más largas sean las cuerdas, mejor sonará el piano.

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También hay tibios, pero son los menos, y quienes están a favor del máximo emperador republicano de la actualidad, pero por suerte son una minoría

Annacrusa o Apologia han alcanzado notoriedad dentro de la escena CS, pero en realidad son proyectos con menos de un año en la calle. Lola Bou & Manel Brancal o Charlie Undershaw han nacido públicamente en medio de la pandemia. Back To The Hills o Valiente Bosque deberían estar rodando por escenarios. Pese a las dificultades, la música de Castellón no deja de ofrecer nuevos proyectos (o recuperar antiguos).

Divulgación de la Historia contada en primera persona por mujeres que han sido olvidadas, ignoradas o apartadas. Visítanos.

Para hacer música no hace falta contar con un instrumento musical realizado exclusivamente para producir un sonido rítmico y/o melódico. Centenares de objetos cotidianos pueden convertirse en instrumentos ocasionales, como pueden ser las botellas de anís para acompañar la percusión en canciones populares. En este artículo se exponen una serie de objetos con los que se hace música: espadas, tijeras, tablas de lavar, latas, copas de cristal, máquinas de escribir, sierras...que ayuda(ba)n a producir música en múltiples ocasiones

Las oposiciones convocadas en varias comunidades autónomas en los cursos pasados han sido tema de debate durante los últimos meses. Quizá este momento, en el que a raíz del obligado paréntesis en prácticamente toda actividad se reflexiona a muchos niveles acerca de lo que es verdaderamente importante, sea el más adecuado para replantearse muchas cuestiones que se daban por supuestas al respecto y para analizar si realmente se están consiguiendo los objetivos que esos procedimientos de selección pretendían.

En 1893 Isaac Albéniz ya había dejado de parrandear y sentado por fin cabeza. Instalado en París, gozaba de la simpatía de los parisinos y era amigo de Dukas y Fauré. Entonces dejó de tocar el piano en público. Al final de su vida había compuesto un manojo de piezas interesantes y un centenar de agradables y bellas "piezas de salón", la mayor parte hoy olvidadas. Pero en los últimos cuatro años de su vida se dedicó a trabajar en una serie de piezas para piano de alta complejidad y significación que le aseguraron la inmortalidad: la Suite Iberia

El camino de inventores y científicos en busca de un sistema que fuese capaz de imitar la voz humana, antes de poder grabarla, almacenarla y reproducirla, fue tan largo como interesante. En ese recorrido podríamos encontrar autómatas, cabezas parlantes o instrumentos que pretendían no sólo producir sonidos similares a los emitidos por la laringe del individuo sino sorprender, entretener, deleitar y facilitar la ejecución de melodías a cualquier mortal sin necesidad de ser músico avezado. funjdiaz.net/mobi/mobi.php?id=4

Durante generaciones, la gente creyó que al presionar una concha marina contra su oído, lo que oía era el rugido del mar. Pocos relatos de la cultura popular resultan tan evocadores y, al mismo tiempo, tan erróneos. No existe ninguna relación entre el mar y ese sonido característico, más allá de la asociación mental entre la caracola y su lugar de origen que probablemente dio lugar a este relato popular. Sin embargo, como las mejores metáforas, esta nos puede servir de excusa para explicar una historia real.

El investigador y “arqueólogo musical” experto en los sonidos de la Edad Media Jota Martínez acaba de finalizar un ambicioso proyecto. Ni más ni menos que la construcción de todos los instrumentos que aparecen reflejados en las ilustraciones que contienen las obras de Alfonso X el Sabio.

La historia de esta composición arranca en España, el 1 de mayo de 1904, y con un telegrama: “Vuelve inmediatamente. Dvořák muerto”. El receptor era Josef Suk (1874-1935), que se encontraba de gira por nuestro país como segundo violín del Cuarteto Checo. [...] El viaje fue terrible, tal como recordaría años más tarde: tres interminables jornadas acompañado por [...] la pena por haber perdido a su suegro y maestro, y la angustia ante el impacto que la noticia podría tener en el frágil corazón de su esposa Otilka, hija mayor del compositor checo.

Hace cuatro milenios, en Mesopotamia, los sumerios ya utilizaban un sistema musical de siete notas y siete modos para componer sus canciones. Este sistema fue heredado por los griegos que se lo contagiaron al resto de Europa y, desde entonces hasta ahora, —pasando por la larga Edad Media— distintos modos han ido ganando y perdiendo popularidad, según la época. En la actualidad, solemos utilizar preferentemente dos de esos antiguos modos que hemos rebautizado como Modo Mayor y modo menor.

Este test es para jóvenes y adolescentes, para que veáis si prestáis atención a vuestros padres nostálgicos cuando escuchan música y recuerdan a los cantantes y grupos musicales de los años 80 y 90 del siglo pasado.

Con Broadway y las salas de artes escénicas en todo el mundo cerradas por la pandemia COVID-19, el teatro en vivo es escaso últimamente. Pero los amantes del teatro todavía tienen razones para alegrarse: el icónico compositor británico Andrew Lloyd Webber pone a disposición de los espectadores su extensa obra en YouTube cada viernes durante las próximas siete semanas.

Siendo compositores, o a veces también productores iniciantes, la emoción de grabar una canción en el estudio de pronto nos ciega y nos hace bloquear las necesarias e indispensables etapas de la producción musical.